Rock Catatumbo

700 jóvenes se solidarizan con el campesinado del Catatumbo en Cúcuta 

se apagó la voz del gran Moustaki

El País
Ana Teruel
23 de mayo de 2013

Moustaki ha entrado ya en la historia de la cultura popular como uno de los más sensibles creadores de canciones de las últimas décadas

El cantautor Georges Moustaki ha muerto esta madrugada en Niza, en el sur de Francia, según informaron sus familiares a la prensa francesa. El Métèque más famosos de la canción francesa, nacido en Alejandría, Egipto, de padres griegos y francés de adopción, -llegó a París en 1951- había cumplido 79 años el pasado 3 de mayo. Llevaba unos años retirado de los escenarios debido a una enfermedad incurable de bronquios que le impedía cantar y se dedicaba a la escritura y la pintura.

“He tenido una vida apasionante. Me gustaría que lo siga siendo hasta el final”, admitió en una de sus últimas entrevistas, en 2011, al diario francés La Croix. En ella anunciaba a duras penas –“me cuesta expresarme, mis músculos se han derretido”- que una enfermedad respiratoria “irreversible” le habían forzado a abandonar definitivamente el canto. Su último concierto lo había dado dos años antes, en enero de 2009, en Barcelona, el cual no pudo finalizar debido a aquella dolencia. Alejado de los escenarios, en los últimos años seguía dibujando, pintando y escribiendo. A finales de 2012 publicó su Petit abécédaire d’un amoureux de la Chanson (L’Archipel), un himno a su pasión por la canción.

Nacido Giuseppe Moustacchi el 3 de mayo de 1934 en Alejandría, de padres judíos griegos, educado en la escuela francesa, políglota desde pequeño –su padre, Nessim, hablaba cinco idiomas y su madre, Sarah, seis- llegó a París casi todavía adolescente, en 1951. Vivió un tiempo haciendo puerta a puerta para vender libros de poesía y rápidamente conoció a Georges Brassens, quien le transmitió su vocación por la canción y en honor al cual tomó el nombre de Georges. Fue en 1952, en la sala de conciertos de Trois Baudets, en la que actuaba uno de sus ídolos del momento, Henri Salvatore. Brassens fue el encargado de introducirle con éxito al mundillo de la canción parisiense.

Moustaki conoció y trabajó con todos los grandes de la época, empezando con Edith Piaf, de la que fue amante en 1958 y para la cual escribió la letra de Milord, y de Barbara, con la que cantó La Dame Brune. “Moustaki, es mi ternura”, decía esta última del cantautor. Escribió más de 300 canciones para artistas como Yves Montand, Juliette Gréco, Dalida o Serge Reggiani, e interpretó muchas de ellas con éxito. Se reveló con intérprete con Le Métèque (1969), cantada primero por Pia Colombo, y que dio la vuelta al mundo.

Conocido también por su compromiso de persona de izquierdas, en las últimas elecciones presidenciales de 2012 no dudo en apoyar públicamente a Philippe Poutou, el candidato del partido de extrema izquierda Nuevo Partido Anticapitalista. “Mi sensibilidad se acerca a los libertarios, a los huelguistas. No a una ideología ni a un movimiento. No tengo ni la vocación ni la misión de imponer mis ideas. Tengo pulsiones, utopías”, explicó entonces en una tribuna de prensa.

Viajero incasable, enamorado de Brasil, cuyos ritmos introdujo también en la canción francesa, “su patria” no era otra que la isla parisiense de Saint Louis, en la que vivió durante prácticamente los últimos cuarenta años. Los últimos meses los meses sin embargo en Niza, donde murió, a orillas del Mediterráneo que tanto quería.

Muere Bebo Valdés, el mago de los ritmos cubanos

Lejos del paraíso

 
El País
DiegoA. Manrique
22 de marzo de2013

 

Bebo Valdés sufrió el sino de tantos músicos cubanos. Tierra fabulosamente fértil en ritmos y melodías, sus artistas se ven obligados a emigrar, por conmociones políticas o, más frecuentemente, por la pura necesidad de ganarse un sustento decente, algo a veces imposible en un mercado tan áspero como el de Cuba.

Así nos encontramos con biografías guadianescas, pasmosas, como la de Bebo. Figura esencial de la explosión de la música habanera durante los rutilantes años cuarenta y cincuenta, funcionó como pianista, compositor, arreglador y líder de bandas. Habitual del Tropicana, fue convocado cuando llegó Nat King Cole para grabar en español.

Como tantos otros instrumentistas de su generación, andaba fascinado por las posibilidades del jazz, desarrollando su versión de las jam sessions con las descargas. También intentó dar la respuesta al mambo que popularizó Pérez Prado, con su batanga. Pero, insisto, no se pierdan los exuberantes discos de populares artistas de aquella era dorada que llevan sus huellas digitales.

De repente, el tajo de la Revolución y la primera oleada del exilio. Bebo dejó a su numerosa familia en La Habana y se buscó la vida en México, con el espléndido Rolando Laserie. Hubo luego estancias en Estados Unidos y España. Parecía carecer de todo tipo de divismo: acompañaba a triviales cantantes de música ligera pero también a boleristas de nivel como Lucho Gatica. Había trabajo para alguien de sus habilidades pero pocas posibilidades para expresarse creativamente. Más aún, cuando los azares del corazón le llevaron a Estocolmo, donde ejerció de pianista de hotel, siempre sonriente y dispuesto a complacer peticiones.

Pero Bebo no se había perdido. Le podían borrar de los registros históricos del castrismo pero estaba localizado en la red global de músicos cubanos dispersos por Europa y América. A principios de los noventa, cuando la discográfica alemana Messidor, decidió apostar por el jazz afrocubano, a Paquito D'Rivera no le costó convencerlo que protagonizara el disco Bebo rides again (1994), preparado y elaborado en pocos días. Nadie lo diría escuchando la finura de los arreglos, la energía de las composiciones y el deleite con que tocaban unidos exiliados y músicos residentes en Cuba.

Tenía 76 años y se le despertó toda la música que tenía adormecida. El proyecto de Messidor no prosperó pero entonces aparecieron Fernando Trueba y Nat Chediak, entusiastas que le embarcaron en discos y documentales que demostraban sus variados recursos. El público se enamoraba de aquel saber estar, de los dedos esqueléticos que iluminaban las imágenes de Calle 54 (2000) y El milagro de Candeal (2004). Su trayectoria vital inspiró Chico y Rita (2010), la película de dibujos animados de Trueba y Mariscal.

Pero la realidad fue más asombrosa que cualquier guion cinematográfico: un octogenario Bebo se convirtió en estrella internacional gracias a su primorosa labor en Lagrimas negras (2002), la colaboración con el cantaor Diego El Cigala. En el frenesí de las giras, Bebo demostró su alta calidad humana. Y sí, terminó reencontrarse con el más famoso de sus hijos, también pianista gigante: Chucho Valdés. Las vidas cubanas, ya saben, son atípicas.

En el centenario de José A. Morales

Tiple, canto y protesta

El Espectador
17 de marzo de 2013
Fernando Araújo Vélez

Con una serie de actividades que incluyen conciertos y exposiciones iconográficas, Santander celebra su vida y obra.

José A. Morales

Fue él, debió ser él quien llegó con el alma enferma de sufrimiento y le pidió un aguardiente a una tal señora doña Rosario, una tarde-noche cualquiera más de 50 años atrás. Fue él quien le contó su historia mientras se fumaba un tabaco de esos baratos, con uno y otro y otro trago, y confesó que otros, los otros, los otros de arriba y de siempre y de la aristocracia, no sabían lo que era la vida cuando se llevaba “plena de odio y olvido”. Fue él quien cantó “Hoy que vuelvo a tus lares trayendo mis cantares / y con el alma enferma de tanto padecer / quiero pueblito viejo morirme aquí, en tu suelo, / bajo la luz del cielo que un día me vio nacer”.

Fue él, José A. Morales, quien decía y cantaba: “Ayer me echaron del pueblo por que me negué a jirmar, / la sentencia que el alcalde a yo me hubo de implantar, / por que tuve con mi mano al patrón que castigar, / cuando quiso a mi jamilia, quiso a mi jamilia llegármela a irrespetar”. Fue él quien concluía y denunciaba “Por que uno es probe y carece, / de jincas como el patrón, / tan creyendo que por eso, / también nos jalta el honor. / Entonces hay que enseñarles, que en cuestiones del amor, / tuiticos semos iguales, y tenemos corazón”.

Sus personajes eran él, fueron él. Él y sus tristezas, él y su humildad, él y su inconformismo, él y sus amores. Sus biógrafos dijeron que había nacido el 19 de marzo de 1913 en El Socorro, Santander, y que falleció en Bogotá, el 22 de septiembre de 1978. Que comenzó componiendo canciones ligeras y tangos, que su primer gran maestro fue José de Jesús Vargas, y que de su mano y de la mano de otros músicos empezó a crear en ritmos de pasillo y de bambuco. En los años 50 se alió con Darío Garzón y Eduardo Collazos, y con ellos, y por ellos, con el sello de Sonolux como plataforma, José A. Morales compuso por aquellos tiempos y en los 60 Pueblito viejo, María Antonia, Ayer me echaron del pueblo, Perdón y olvido, Cenizas al viento, Yo también tuve 20 años, Campesina santandereana, y decenas de canciones más que surgieron del campo y de la montaña santandereanos, que eran del pueblo y para el pueblo.

Él escribía y creaba y una vez cantó en un disco que se tituló Canta un tiple. Garzón y Collazos, y luego Javier Solís, y Silva y Villalba, y María Dolores Pradera, y más tarde Raphael, y otros tantos, interpretaban sus obras, que se multiplicaban en cientos de voces e incluso en una película de 1982, dirigida por Jorge Gaitán, Ayer me echaron del pueblo.

“A partir de la nostálgica letra de la canción que la inspira —decía la sinopsis—, ilustra la historia de una familia que se ve obligada a abandonar el campo y huir hacia la gran ciudad, debido a las presiones de un poderoso terrateniente que los despoja de sus tierras. Vencidos por las dificultades que les presenta la difícil supervivencia, abocan el destino trágico de muchos desplazados: el hombre, del subempleo a la delincuencia; la mujer, del servicio doméstico a la prostitución, y los hijos a la tormentosa vida de los niños de la calle”.

El pueblo, y su pueblo, El Socorro; los campesinos y el campo; las injusticias; la nostalgia de lo que había sido y no volvería a ser... La vida, en fin, la vida de todos los días seguía siendo su tema. La vida de las pequeñas cosas. Como escribió Egberto Bermúdez en la revista Credencial: “Su temática recordaba otros textos de canciones que tocaban la situación del campo colombiano, que atravesaba un profundo proceso de cambio, y denunciaba en un lenguaje directo y lleno de giros campesinos las injusticias de la aún no superada condición servil del campesino de muchas regiones del país”. El proceso de cambio en el campo prosiguió su marcha, más allá de las denuncias de Morales y de algunos otros. Su estilete rasgaba, pero no alcanza a herir. Sus canciones eran himnos cantados y repetidos en miles de tabernas por los años de los años, pero se convirtieron más en fiesta que en puñal. Morales cantaba sus penas y sus protestas, pero esas penas y esas protestas terminaban diluidas en alcohol, y con los años acabaron enterradas. La publicidad, la industria de los discos, los nuevos grupos, el made in Usa y sus dólares, las influencias foráneas, el mercadeo, los registros de sintonía, el dinero que todo lo compra, incluidos los programadores de las emisoras, el olvido de las raíces en escuelas y conservatorios, el complejo de inferioridad, el sistema y sus intereses y los intereses del poder, el olvido programado y la eterna indiferencia las enterraron.

 

por tu amor me duele el aire

 Interepreta la cantautora colombiana Marta Gómez a Federico García Lorca, acompañada por el también cantautor y guitarrista español Javier Rubial.

¡Ay, qué trabajo
me cuesta quererte como te quiero!

Por tu amor me duele el aire,
el corazón
y el sombrero.

¿Quién me compraría a mí
este cintillo que tengo
y esta tristeza de hilo
blanco, para hacer pañuelos?

La mar no tiene naranjas
ni Sevilla tiene amor.
Morena, qué luz de fuego.
Préstame tu quitasol.

Me pondrá la cara verde,
zumo de lima y limón
tus palabras, pececillos,
nadarán alrededor.

II Festival Internacional de Música de Barichara

 Diciembre 15 a 22 de 2012...

El principal propósito de nuestro festival, que se llevara a cabo por segunda vez, es generar entusiasmo entre los estudiantes de Barichara para que a través de disciplina y dedicación aprendan a ser intérpretes y compositores musicales. Una vez generado el interés ofreceremos la educación correspondiente apropiada en nuestra escuela de música, componente importante del Centro Cultural que pondremos a disposición de la población. El Segundo Festival ofrecerá talleres prácticos dirigidos por los músicos profesionales que ofrecerán conciertos durante varios días en el mes de Diciembre del año en curso. Una característica única de este evento es que incorpora todo tipo de música incluyendo la clásica, el folclor nacional, el bolero, el son cubano, el jazz, el blues, el rock, la salsa y la música de cantautores latinoamericanos. Al ofrecer esta variedad, indudablemente se lograra maximizar el interés de los jóvenes ya que tendrán muchos géneros para escoger para lograr el máximo estimulo. También habrá seminarios de temas relacionados a los diversos géneros incluyendo una conferencia de la historia del blues, la música que es la base del rock y de muchos géneros contemporáneos

Programación.

moliendo café a la japonesa

 

"Moliendo café" es una canción del músico venezolano Hugo Blanco. La compuso en 1958, cuando tenía 18 años. La primera versión grabada del tema fue la de Mario Suárez. Una versión posterior del propio Hugo Blanco alcanzó el número 1 en Argentina en 1961.

Se cuenta que Blanco, al componer la canción siendo menor de edad no pudo registrarla, por lo cual su tío, el también compositor José Manzo Perroni, accedió a hacerlo. Sin embargo, en los años posteriores, Manzo afirmaría ser quien creó la melodía y hasta el momento se mantiene la polémica por la autoría del tema que, en la actualidad, tiene más de 800 versiones. Algunas de las más conocidas con las de la cantante italiana Mina en 1962, la de la cubana Xiomara Alfaro, las de los portorriqueños Ismael Rivera y José Feliciano, la de los españoles Sergio y Estíbaliz y Julio Iglesias o la del venezolano Ricardo Montaner. La canción ha conocido versiones en muchas lenguas diferentes, y ha sido un éxito incluso en países como Japón o Indonesia.

música en el Taller de Oficios de Barichara

Momentos de la Clausura del Curso Complementario de Música del Taller de Oficios de la localidad de Barichara. Emisión 'Huellas Patiamarillas', Emisión 30 de septiembre 'Esta es mi tierra'... 

Barichara, punto de encuentro cultural

Barichara se convertirá en la capital cultural del país con el Festival Barichara, Punto de Encuentro Cultural, que reunirá en un solo lugar importantes personalidades e impulsadores de las tradiciones del país. El evento será entre el 17 y el 20 de agosto e incluirá talleres, conversatorios, exposiciones, teatro, música, literatura, gastronomía y cine.

El historiador Armando Martínez Garnica, el ex presidente Belisario Betancur, el escritor y editor Conrado Zuluaga, el director de Cine Carlos Gaviria, el artista plástico David Manzur, el comunicador Pablo Arrieta, el chef Juan Pablo Valencia, la pianista Claudia Calderón, el saxofonista Antonio Arnedo, el actor Diego León Hoyos, la investigadora gastronómica Margarita Bernal y los fotógrafos Carlos Duque y Camilo Rozo harán parte de este encuentro, en el cual compartirán sus conocimientos con los asistentes.

Este festival es una iniciativa de la ceramista colombo-venezolana Dalita Navarro, directora del Taller de Oficios de Barichara, y cuenta con el apoyo del Ministerio de Cultura, la Gobernación de Santander, la Alcaldía de Barichara y la aerolínea Avianca. La mayoría de las actividades serán en los espacios del taller, una escuela que desde hace cinco años forma y capacita a hombres y mujeres de éste y otros pueblos vecinos en oficios y artes tradicionales de la región.

La programación incluye dos exposiciones permanentes: una de fotografía, con imágenes documentales de rostros y paisajes de Colombia realizadas por Carlos Duque y Camilo Rozo, y otra donde los alumnos del Taller de Oficios mostrarán sus trabajos de artesanía. 

También habrá tres talleres sobre principios básicos de gastronomía, fotografía y música.

La parte académica se dejará ver con los conversatorios sobre temas vinculados con la historia, la música y la literatura santandereanas; al mismo tiempo, Pablo Arrieta y Carlos Cortés hablarán sobre el impacto de las redes sociales en los nuevos tiempos.

El reconocido chef Juan Pablo Valencia del Restaurante Mystique de Medellín y la investigadora gastronómica Margarita Bernal serán los encargados de dirigir el conversatorio práctico sobre gastronomía tradicional colombiana.

El artista plástico David Manzur hará un recorrido visual por las producciones cinematográficas colombianas que evocan episodios del mundo del arte, y paralelamente la obra de teatro infantil El traje nuevo del emperador se convertirá en la mejor opción para que los niños participen de este evento.

Para cerrar el Punto de Encuentro Cultural Barichara 2012 la pianista Claudia Calderón y el saxofonista Antonio Arnedo ofrecerán un repertorio que recorre la música tradicional de Colombia.

Barichara es Patrimonio Nacional y forma parte de la Red de Pueblos de Colombia, lo que lo hace un lugar turístico por excelencia. Gracias a su agradable clima, su naturaleza y su particular arquitectura es un lugar obligado para visitar.

Los santandereanos y los demás turistas podrán ser parte del festival participando en las actividades programadas, para conocer un poco más sobre este pueblo que guarda magia e historia.

III Festival Internacional de Música Barroca de Barichara

el poder de la música

La personalidad de Alice Herz-Sommer es simplemente fascinante, sus historias regalan una hermosa lección de esperanza y optimismo en una sociedad que diariamente se empeña en destruirse a si misma. 

Esta es una traducción del trailer oficial del documental "Alice Dancing Under the Gallows" (2011) dirigido por Malcolm Clarke y producido por Nick Reed, Malcolm Clarke, Chris Branch, Larry Abramson y Jasmine Daghighian. 

 Más información del documental puede obtenerse siguiendo el enlace: www.nickreedent.com (En Inglés)

voces para la paz

Publicado el 14/05/2012 per solimusi

http://www.vocesparalapaz.com

Concierto "Voces para la Paz" (Músicos Solidarios)
Auditorio Nacional de Música de Madrid Madrid, 12 de junio de 2011
Director: Miguel Roa
Solista: Alfredo Anaya
Proyecto: Pozos en Níger

alma llanera

La Estudiantina Komaba de la Universidad de Tokio pasea la música popular venezolana por el país asiático."Si ya ha habido en Japón hasta un millar de intérpretes del arpa paraguaya, varios miles del charango boliviano, decenas de miles de samba brasileña, ¿por qué no de la música venezolana?",

La estudiantina nació en 2009, con el concierto de fin de curso de los alumnos de "Introducción a la interpretación de música latinoamericana", materia a la que se pueden inscribir alumnos de primer y segundo año de la Universidad de Tokio. 

Son unos 20, de ellos un núcleo de diez "muy comprometidos", procedentes de varias facultades. "Tenemos futuros médicos, abogados, economistas, antropólogos, pedagogos, diplomáticos, químicos, ingenieros, arquitectos, matemáticos, etc.". liderados por el profesor Jun Ishibashi que presumen de "Alma llanera". 

the wald on project

www.walkonproject.org

"The Walk On Project" es una iniciativa que surge del entorno de Jontxu, un niño maravilloso afectado por una enfermedad rara. Surge con el objetivo de recaudar fondos para la INVESTIGACIÓN EN TERAPIAS contra las leucodistrofias, mediante la organización de actividades y eventos musicales.

campesino -cinemacinco

Campesino - Cinemacinco
(Tino Nuñez - Alejandro Alvarez - Alvaro Bonilla - Oscar Salamanca).

http://www.cinemacinco.com/
http://www.facebook.com/cinemacinco 
http://twitter.com/cinemacinco 

Album: República de la Alegría
Director: Juan Camilo Villarreal

pelao - la chiva gantiva

A primera vista La Chiva Gantiva pareceria una grupo más que toca Ska y Funk, sin embargo la propuesta musical es mucho más densa. Apropiandose de los ritmos folcloricos colombianos, no solo del caribe, sino inclusive de los llanos orientales; en este album Pelao, se puede escuchar una interesante amalgama creativa de música y arte. Un album cargado de alegría hace que el oyente se sumerga en un extraño ambiente de fantasia y regocijo. A pesar de que el grupo se encuentra radicado en Bruselas (Bélgica), no olvidan sus raices, y ese tinte de alegria que nos imprime nuestra idiosincracia colombiana. 

misticismo musical

Kayhan Kalhor & Shujaat Husain Kahn and Swapan Chaudhuri (live) Ghazal the Rain - Eternity

El conjunto musical se llama Ghazal. Este trata de la unión de 3 músicos de diferentes orígenes que cada uno es un maestro en el estilo musical que toca.

Por un lado tenemos a Kayhan Kalhor. Este músico nacido en Kermanshah, Iran, se especializa en la música tradicional Persa, la cual tiene sus orígenes hace centenas de años en el antiguo Imperio Persa. Su instrumento es el kamancheh, un instrumento de cuerdas que se toca con arco. Su sonido es parecido al del violín, ya que comparte su ancestro con el mismo. Sin embargo, al no ser tan agudo, chillante y limpio, a veces se puede parecer al violoncello. Este músico, además de este conjunto, forma parte de Masters of Persian Music, un conjunto que, como dice su nombre, se dedica a tocar música tradicional Persa.

Luego tenemos a Shujaat Khan. Este músico de India se destaca por su uso tan original e increíble del sitar, el instrumento más popular del país. Este instrumento es de cuerda también. Las cuerdas pasan por debajo de los trastes, a diferencia de la guitarra que pasan por encima. Además de las cuerdas que se pueden tocar con los dedos, tiene varias cuerdas de “simpatía”, las cuales vibran cuando se toca con las cuerdas tocables la misma nota en la que esta afinada alguna de ellas. Si una esta afinada en Re y en una de las tocables se toca Re, esta vibrará. El canto de Khan es muy aclamado también, el cual esta incluído en esta banda. Su discografía es extensa, con más de 60 álbumes.

Finalmente tenemos a Swapan Chaudhuri. También proveniente de India, su instrumento es la Tabla, que, aunque su nombre es singular, es un par de instrumentos de percusión. Este instrumento de percusión es el más popular del país. Su forma (a diferencia de lo que toda persona de lengua española pensaría) es como un tambor pequeño y redondo. Pero a diferencia de la mayoría de instrumentos de percusión que marcan el ritmo, este puede afinarse en notas.

Este álbum nos lleva no solo al mundo de estos músicos, sino a uno nuevo creado por la combinación de la música tradicional Hindú con la Persa. Esto se transforma en un viaje místico; una aventura por paisajes enormes.

Este disco salió en el 2003 a través de la discográfica alemana ECM, y es su 4to disco. Es un disco en vivo que cuenta con 3 canciones:

1. Fire
2. Dawn
3. Eternity

Como en ambos estilos musicales la improvisación es tal vez el elemento más importante, los 3 temas se basan en la improvisación. Y como también es común en ambos estilos, los temas son largos, durando 18:18, 14:58 y 19:50 minutos.

Cada tema tiene en si una temática, o sea, tiene su propio sentimiento. Sin embargo, al ser tan duraderas, cada una nos lleva por varios lugares.

Pero en fin es todo un viaje, una misma historia. La homogeneidad se siente en parte porque todos los temas están hechos en Re. Con esto me refiero que, aunque hay variaciones de escalas a lo largo de los temas, son todas escalas de Re. Y la nota pedal (la nota que da como base a la música) es Re. De esta forma se puede sentir que siempre estamos en la misma historia.

Fire y Dawn están en escalas menores, mientras que Eternity está en escalas mayores.

El disco empieza con Fire. El tema empieza con poco volumen, pero con melodías muy trágicas. En el correr del tema el volumen va aumentando hasta que llega un momento en que explota.

más en: Black Beauty

Zvook, explorador del ruido en la ciudad

Fuente: Revista Siderola

En medio del tradicional ruido caótico del centro de Bogotá, rodeados de aparatos electrónicos y ciudadanos metidos en su rutina diaria, Zvook nos habla de su trabajo y su pasión por el “Noise”, y nos regala una demostración ya que es en últimas su manera de expresión.

Parte I

Parte II

No hace música, es un arte sonoro que explora la manipulación de los sonidos, y para crear sus composiciones se vale de miles de ruidos acústicos, mecánicos, electrónicos, digitales o generados por instrumentos compuestos por circuitos, distorsiones y repeticiones que sin necesidad de notas ni partituras generan sensaciones únicas en cada oyente.

El ruido que produce un bus en su recorrido, una moto acelerando, una máquina en una fábrica, el pito de un taxi, un instrumento creado y acondicionado para hacer un sonido específico, un ruido generado por algún programa en un computador, pueden terminar siendo la materia prima para una de sus creaciones; y seguramente mientras Zvook camina por las calles sus oídos se deleitarán con todos los ruidos que las constituyen, pues la ciudad no es solo edificios y parques, Bogotá tiene su propia sonoridad.

falleció el guitarrista y compositor colombiano Gentil Montaña

Julio Gentil Albarracín Montaña
Purificació-Tolima, 24 de noviembre d 1942 - Bogotá 27 de agosto de 2011

Gentil Montaña, se destacó por ser un músico formado en la academia en Colombia y en Europa, luego de lo cual deja como herencia más de siete discos grabados como solista de guitarra, destacándose los que hizo con la Orquesta Filarmónica de Bogotá en honor a los Reyes de España, así como sus más famosas composiciones: Suites Colombianas: Nº1: Danza, Canción, Guabina y Pasillo. Nº2: Pasillo, Guabina, Bambuco y Porro Nº3: Pasillo, Guabina, Danza, Bambuco. Nº4: Pasillo, Danza, Bambuco, Porro.

Kothbiro - lluvia venidera

Kothbiro significa “lluvia venidera” en lengua Luo. Ayub Ogada nació al abrigo de una familia perteneciente al pueblo Luo de Kenya. De su cultura aprendió a tocar el Nyatiti, una especie de lira de ocho cuerdas, y el Djembé, instrumento de percusión de mano muy común en el África negra.

La canción parte de una melodía tradicional Luo que se canta cuando se avecinan tormentas. En Kenya es poco común que llueva, y el agua es todo un acontecimiento. Entonces se canta esta canción que cuenta a los niños que la lluvia está por llegar y que se debe poner el ganado a resguardo para salvaguardar la riqueza familiar. Aprenden a través de la canción lo que se debe hacer, pues muchos todavía no han visto llover nunca y no saben lo que eso significa.

En algunas formas de la tradición, el conocimiento se transmite de un modo subjetivo a través de la música. En sociedades con ausencia de escuelas, donde la educación se vive a través las familias y por transmisión oral, las canciones contienen pequeñas perlas de sabiduría que ayudan a los niños a comprender y aprender. Así, a partir de una experiencia física (acción) que se siente a través de una melodía y una letra (emoción), se comprende en profundidad lo sucedido (mente), produciéndose con ello un aprendizaje.

La belleza de la música tradicional recae en su transmisión de valores sociales, educativos, y en su utilización pues muchas tonadas se usan para momentos cotidianos en el trabajo, la crianza, las relaciones… Algo que se ha ido perdiendo en occidente, donde usamos muy poco la música en nuestra cotidianidad sino es como objeto de consumo.

RealWorld, la discográfica que fichó a Ayub Ogada después de descubrirle tocando el Nyatiti en las calles de Londres, pretende fomentar y promocionar este tipo de música venga del lugar del mundo que sea. Sus discos son auténticas perlas.

Ogada forma parte ya de un elenco de excelentes musicos africanos con proyección en occidente, junto con Richard Bona (Camerún), Youssou N’Dour (Senegal), o Ladysmith Black Mambazo (Suráfrica), entre otros.

La letra en Luo:

Hah
Hahye hahye aye hahye
BIS

Om maa na pum imjya
Kothbiro
Ke luru do ketaa-lha
BIS

(x2)

Hah
Hahye hahye hahye

Yah yebi tom nuguee
Um kuru tili bare made
Kothbiro
Kem luru do ketaa-lha

(x2)

Y su traducción:

Om maa, ¿oyes lo que digo?
La lluvia está por llegar
Trae a nuestro ganado de vuelta a casa

Yahye, los niños
¿Que es lo que estáis haciendo?
La lluvia está por llegar
Trae a nuestro ganado de vuelta a casa

Kothbiro está incluida en el disco En Mana Kuoyo -”Simplemente Arena”- (RealWorld, 1993), y también se incluyó en la banda sonora de la película El Jardinero Fiel de Fernando Mereilles (Focus Features, 2005). También aparece en las diapositivas incluidas en este post del indio quechua Chamalú.